L’école de théâtre – Les techniques

Le mime corporel, c’est apprendre à jouer de tout son corps.

Cet art est une base solide pour atteindre une présence et un jeu scénique théâtral. Le départ est l’apprentissage de la technique du mime corporel d’Etienne Decroux qui met l’acteur à l’épicentre du processus créatif théâtral en visant un acteur autonome, maître de son instrument d’expression, le corps, ainsi que de son propre art.

Enseignement

A partir d’une étude détaillée sur trois éléments majeurs de la technique :

  • les articulations du corps
  • le dynamo-rythme
  • le contrepoids, l’élève y retrouvera des principes qui servent de base pour l’art de l’acteur et danseur du XXIe siècle : le tronc en tant qu’expression primordiale, la segmentation, la précision, les oppositions de force, la fluidité, la connexion, l’immobilité comme l’action, l’équilibre précaire.

La maîtrise de ces éléments réveille chez l’acteur, une dramaturgie corporelle, pleine de résistance, pause, hésitation, suspense et surprise, fondements inhérents au drame. Ainsi, au travers des explorations d’un corps dramatique, l’acteur/élève transcendera le réalisme quotidien dans une dimension poétique de la scène et profondément humaine.

« Le travail de l’acteur est avant tout un travail psycho-physique. Nous allons nous servir de la partie physique, des lois de la Physique, pour apprendre à matérialiser, avec le corps et les mouvements, la psyché du « personnage ». Rappelons-nous, quand on va au théâtre on dit  » je vais voir du théâtre «  et non pas  » je vais entendre du théâtre !

Dans cette discipline la formation est donnée dans une perspective technique et corporelle. Notre objectif est celui de chercher à ETRE ELOQUENT PHYSIQUEMENT, c’est-à-dire d’être CLAIR : ce que je crois jouer doit être en accord avec ce que je donne à voir. »

Enseignement

Pour essayer d’atteindre la clarté et l’éloquence physique un travail est mené, tout d’abord à partir des moments dramatiques en silence crées par les élèves et inspirés par des thèmes proposés, des tableaux ou des musiques.

Ensuite vient la recherche sur des scènes composées essentiellement de didascalies sans presqu’aucun dialogue et où les actions physiques et l’espace sont définis mais où l’on ne sait rien du rapport entre les personnages ni de l’histoire. Ce sera aux élèves de choisir un sujet, d’imaginer un passé en commun entre les personnages – si un passé existe entre eux- et de préciser un objectif pour chacun.

Ce travail est analysé en tenant compte de la PERCEPTION DU SPECTATEUR et de son ATTENTION. Le spectateur devra pouvoir deviner le sujet, le rapport entre les personnages et leur objectif.

Le masque neutre a une place fondamentale dans la pédagogie de l’école Point Fixe qui met le corps au centre de la formation de l’acteur. Comme instrument, il aide l’acteur à trouver la vérité intérieure du corps, la source profonde du geste, la maîtrise de son corps en scène et l’éveil à une dimension poétique de la scène.

Le masque contrairement à ce que l’on croit n’est pas fait pour se cacher mais pour se révéler. Il met en état de découverte, d’ouverture, de disponibilité et développe la présence de l’acteur à l’espace. Il structure et essentialise le jeu en le débarrassant de toute anecdote et amène l’acteur à un niveau de jeu corporel et textuel poétique. Grâce au masque, l’acteur n’est plus dépendant de son corps «naturel»:il dispose d’un corps libre, inventif, créatif.

Enseignement

Comment représenter la haine de Clytemnestre, l’amour d’Electre, le désespoir d’Antigone, la prudence d’Ismène, la déraison de Lady Mac Beth, la duplicité de Richard III ?

Sous un masque neutre, c’est le corps entier de l’acteur que l’on regarde! Il respire calmement, bouge juste, dans l’économie de ses gestes et de ses actions. Tous les mouvements se révèlent alors de manière puissante. Le masque neutre se termine sans masque et le jeu des personnages advient !

Dans ce cours l’acteur joue à « s’identifier » aux éléments naturels, aux matières, aux animaux, aux couleurs, à mimer leurs formes, leurs dynamiques sous tous leurs aspects. Il les transpose ensuite à un niveau théâtral pour s’en servir à des fins expressives afin de mieux jouer la nature humaine.

1. Entraînement énergétique corporel

Il s’agit par la technique corporelle de préparer le corps à mieux recevoir et exprimer, à rendre l’acteur disponible, prêt à jouer.
Seront abordées les notions suivantes :

  • respirations abdominale et diaphragmatique
  • tonicité du centre de gravité du corps ((sacrum /nombril/colonne vertébrale)
  • souplesse et force de la colonne vertébrale
  • appuis, poids/contrepoids, équilibre/déséquilibre
  • résistance/détente – tirer/pousser
  • corps « clavier »,repérage des parties articulées du tronc
  • voix et mouvement

Des jeux collectifs, jeux d’enfants ,suite de la préparation énergétique introduisent l’acteur à l’improvisation par la découverte et l’apprentissage des règles basiques du jeu dramatique : être présent, « ici et maintenant »,ensemble et seul à la fois.

2. Découverte et apprivoisement du Masque Neutre

L’acteur chausse le masque et s’amuse à jouer la brise, la tornade, la cascade, la pluie, le feu.
Il se surprend à «se glisser» dans la peau du lion, du crocodile, à butiner comme une abeille à moins qu’il ne préfère mimer la dureté de la pierre, la mollesse du beurre et pourquoi pas la désagrégation du sucre dans l’eau.

De tous ces jeux il découvrira de nouvelles façons de bouger, de se mouvoir, essaiera des rythmes variés et surprenants, des voix étranges qu’il mettra au service de la construction des personnages les rendant plus vivants que nature !
Nous aborderons ensuite des scènes qui nous servirons de terrain d’exercice.
Improvisations individuelles et collectives à foison.

Comment chausser le masque ? Comment respirer, écouter, sentir, regarder ? Comment s’asseoir, se lever, se déplacer ? Comment créer un espace dramatique avec son corps ? Quand peut-on quitter le masque ? A quel moment la voix advient ? et la parole ? Et le personnage dans tout ca ? C’est la pratique du jeu qui apportera peut-être à l’étudiant « joueur » des réponses à ses interrogations. L’expérience du masque neutre est fondatrice dans la vie d’un acteur.

« Les réflexions et les propositions sur la formation de l’acteur sont nombreuses par exemple : La pose de voix, le travail sur le corps, les arts martiaux, l’improvisation le travail du texte, les masques etc….
Il me semble qu’il ne serait pas superflu d’y ajouter le travail du rythme pour que le comédien ait dans sa palette les notions de musique et de danse sans pour autant être un danseur ou un musicien qu’il appliquera dans son jeu théâtral ».

Enseignement

Jouer sur les dynamiques du rythme aide l’élève à libérer son corps des conditionnements et des clichés qui étouffent et déforment son jeu. Il s’appuie sur l’apprentissage des percussions pour créer une technique extra-quotidienne dont il se sert dans la recherche d’un corps dramatique et dans le jeu.

Sont étudiés les notions suivantes :

  • percussions corporelles et vocales
  • notions orales et écrites sur le rythme
  • tisser des liens entre le jeu théâtral et le rythme
  • notions musicales à travers les percussions traditionnelles (d’Afrique, de Cuba, du Brésil..)
  • notions de chant
  • création de sketches basés sur la réflexion rythmique.